Été 1980. Yann Lemée, 28 ans, étudiant en philosophie et homosexuel, frappe à la porte de son idole, Marguerite Duras. Il ne la quittera plus. Rapidement, l’écrivaine va tenter de façonner la vie du jeune homme à son image, jusqu’à vouloir le rebaptiser Yann Andréa. Commence alors une relation vertigineuse qui entremêle la vérité et la fiction, l’intensité et la destruction, et que l’on considère encore comme l’une des grandes passions qui ont marqué l’histoire de la littérature.

Au gré d’une narration fragmentaire, composée d’éléments d’archives et de scènes réinventées, L’Effondrement des glaciers navigue à travers l’histoire de Yann Lemée, pour opérer un retournement de point de vue et tenter de redonner voix à celui qui est devenu un personnage de l’oeuvre de Duras. La pièce s’emploie à confronter ce qui reste encore idéalisé dans l’imaginaire collectif et nous invite à questionner nos ambivalences, en replaçant cette relation à échelle humaine. Est-ce que l’amour peut prendre racine dans la fascination d’un être pour un autre ? Peut-on accorder une place à la violence dans l’intime ? Sous quelle(s) condition(s) ? Où s’arrête l’amour et où commence l’abus ? Et, en filigrane, qu’est-ce qui fait que la postérité décide de retenir telle ou telle version de l’histoire et sur quoi choisit-elle de fermer les yeux ?

EXTRAIT

Cet été-là : celui de notre rencontre à l’Hôtel des Roches noires.
Au seuil de sa porte.
Une valise est posée à mes pieds.

[…]

– Alors, vous êtes homosexuel ?
– Oui.
– Vous ne l’aviez jamais dit.
– Excusez-moi.
– Homosexuel ?
– Oui.
– C’est impossible, ça.

– Et vous avez vingt-cinq ans ?
– Vingt-huit.
– J’en ai soixante-six.
– Je sais.
– C’est impossible.
– Impossible ?
– Impossible.
– Qu’est ce que vous voulez dire ? Vous souhaitez que je parte ?
– Je veux dire que c’est l’impossible qui rend cette rencontre aussi merveilleuse.

NOTE D’INTENTION

« Dans L’Effondrement des glaciers, il est justement question de récits, d’aller interroger l’imaginaire de la passion amoureuse qui est le nôtre et qui a largement été porté par la littérature au fil des siècles. Un imaginaire qu’on a longtemps considérée comme la forme la plus intense de l’amour et que l’on regarde aujourd’hui avec davantage de distance critique. En particulier, je souhaite décortiquer les mécanismes de l’emprise amoureuse, car à mon sens, ils embrassent toutes les problématiques liées à l’imaginaire en question : fascination abusive exercée par un « bourreau » charismatique, stratégies de manipulations qui déforment le rapport au réel, comportements toxiques qui alternent phase de récompense et de punition, contrôle et surveillance de la vie de la victime, ou encore, au bout de cette chaîne de violence et dans les cas les plus tragiques, meurtre quand la victime cherche à dire « non » et/ou à s’émanciper.

De fait, de nombreux cas de féminicides commencent par des situations d’emprise.

En particulier, j’ai voulu écrire sur la relation qui a uni Yann Lemée et Marguerite Duras. D’une part parce qu’on a présenté ce duo comme un couple mythique de la littérature contemporaine, quand il semble, à mes yeux, être à tel point gangrené par les dysfonctionnements et les abus que j’ai du mal à trouver une quelconque forme de beauté dans cette histoire. D’autre part, parce que Yann Lemée m’a semblé être lui-même une victime d’emprise. En effet, il a été le dernier compagnon de l’écrivaine, entre 1980 et 1996. Il était fasciné par son oeuvre et c’est ce qui l’a poussé à vouloir la rencontrer. Il est ensuite devenu une sorte de Galathée, que Duras a façonné à son image, en le rabaissant et en l’humiliant régulièrement, en adorant chez lui l’idée qu’il n’était rien, en l’enjoignant à se taire, à couper tous liens avec ses relations passées, jusqu’à lui faire changer de nom et le transformer en personnage de ses livres : ainsi est-il devenu Yann Andréa. » – Pierre Koestel

« Pourquoi on ne dit jamais les choses ? »

Voilà la question toute simple, posée par mon filleul, qui est à l’origine de ce texte. Nous évoquions ensemble les difficultés auxquelles l’avait exposé sa jeune existence. Son père s’est suicidé en 2018 alors qu’il avait 5 ans. A peine rendu aux portes de l’adolescence, il avait exprimé à son tour l’envie de mourir.

Cette pièce s’apparente à une prière qui lui est adressée, et dans laquelle les souvenirs se mêlent aux songes, la mémoire s’offre à l’imaginaire, le fictif s’accouple au réel, pour tenter d’intervenir dans la mécanique mortifère du découragement. Au-delà de l’histoire intime qu’elle déploie, c’est le rapport à la transmission qui est mis au travail. Découpée en 6 chapitres, comme les stations d’un chemin de croix emprunté à l’envers, la pièce superpose l’archive, la littérature, le théâtre, à la manière d’un palimpseste, pour proposer une réécriture de la blessure. Le geste qui motive l’exposition de cette intimité n’est pas de prendre la parole comme on prendrait le pouvoir sur le cours tragique des choses, mais au contraire de la rendre à ce qui s’est tu. A ce qui, à force de se taire, a fini par tuer.

EXTRAIT

Relais 3 :
Au-delà de la stupéfaction et de la joie immense de te savoir au monde,
C’est un sentiment de gravité qui s’est imposé tout de suite.
Témoin :
Ton père y a largement contribué, je ne te le cache pas.
En déposant ta minuscule présence au creux de mon coude
Il m’a fixé intensément pour me murmurer : « Tu sais ce que ça veut dire d’être parrain… »
Oui je savais.
Être le parrain du fils de ton père… Je savais. »

« Être l’enfant d’un parent qui se suicide, c’est potentiellement grandir dans le sentiment de n’avoir pas été « suffisant ». Et c’est à cette idée mortifère qu’il faudrait pouvoir tordre le cou.

C’est là que la nécessité de faire un spectacle s’est imposée. Car s’il faut « tout un village pour élever un enfant » il est probable que l’inverse soit tout aussi vrai : il faut parfois le destin d’un enfant pour élever la communauté à la hauteur des grandes questions qu’elle devrait soulever.

Que nous raconte collectivement le fait qu’un enfant veuille mourir ?
Où est-ce que cela nous interpelle en tant que société ?
Quelle limite, quelle fragilité de la condition humaine, cela met-il en lumière ?

Et si le théâtre ne peut malheureusement pas grand-chose pour Baden, je veux croire qu’il puisse être, à cette occasion, un lieu où l’on dépose des mots à son attention, comme on déposerait les armes face à notre sentiment d’impuissance. Il ne s’agit plus de résister à notre défaite annoncée, mais de nous admettre en tant qu’entités faillibles.

A travers ce texte j’ai voulu rendre hommage à celles et ceux qui espèrent tout autant qu’à celles et ceux qui ne peuvent plus espérer, afin que la vie soit toujours autorisée à circuler des un.es aux autres. » – Baptiste Amann

Thierry P. et Jean-Thierry M. flambent, s’aiment et tuent. Dans le Paris des années 1980, ces deux amants, toxicomanes et rois de la nuit, assassinent des femmes âgées et installent la peur sur la ville, jusqu’à ce que la prison, pour l’un, et la mort, pour l’autre, les rattrapent. À partir de ce fait divers réel, Yacine Sif El Islam mêle archives, fiction et autofiction pour interroger les violences sociales, intimes et collectives qui traversent les corps.

EXTRAIT

AXEL :
La photographie le représente allongé sur le ventre, nu, sur le lit dans la lumière de l’après midi
Ils se sont rencontrés la veille au soir dans une boîte à la mode
les Bains douches, le Palace, le Paradis Latin, le BH
Disons le Palace
ADIL :
C’était le Paradis Latin
AXEL :
A cette époque on danse comme ça : (danse)
Les lasers du Palace brûlent la rétine de Guy Cuvas qui joue Ebonny game. Je l’ai repéré au bar avec son air sûr de lui qui crie qu’il est perdu
Je crois que c’est ça qui m’a accroché à lui
Son air d’enfant qui joue au grand
– Y a deux types de mecs qui m’impressionnent
Les vrais bourges qui en ont pas l’air
Et les prolos qui font semblant de faire partie de l’élite
Ils m’émeuvent
A ce moment là, ce mec accoudé au bar, avec sa clope au bec, qui regarde tout le monde de haut m’émeut
Son cul moulé dans ses jeans blancs m’émeut aussi
Je me cale à côté de lui : “Ça va Soeur Sourire ?”
Il soulève un sourcil, il me dit “ On se connaît?”
Je lui souris je lui dis :“ Pas encore”
Il se détend un peu, il me rend mon sourire
“je te paye un verre ?”
J’avais bien vu qu’il faisait traîner son verre parce qu’il pouvait pas s’en payer un autre

« […] Jean Thierry Mathurin
et Thierry Paulin.

Dans le Paris des années 80, ces deux amants ont tué des vieilles dames pour leurvoler leur argent.
La nuit ils dépensent cet argent dans les boîtes de nuits à la mode, ils rencontrent lesvedettes du moment, ils illuminent la piste de danse de leur charisme.

L’histoire dit : “Thierry Paulin le leader, qui a reconnu 28 meurtres, mort du SIDA avant d’être jugé”.
L’histoire dit : “Jean Thierry Mathurin,le suiveur, contraint et obéissant, condamné à trente ans de prison ».

Il y a la vérité judiciaire, il y a la réalité médiatique, il y a ce qu’on ne sait pas et qu’on imagine.
Il y a des couches de réalités fictives.

Et puis il y a nous. Il y a moi,
Axel
et Adil.

Nos corps jetés dans des fictions.
Nos corps et nos voix. Nos identités morcelées.
Notre rencontre, nos expériences, nos colères, nos débats, nos fêtes, notre amitié, notre fraternité.
Ils sont le miroir « qui n’est chaque fois ni tout à fait le même ni tout à fait un autre Et m’aime et me comprend ».

Alors il y a cette tentative de photographie.
Me photographier moi, photographiant Adil et Axel cherchant à savoir qui sont Thierry et Jean Thierry.
Essayer d’atteindre l’image.
Jouer de l’archive réelle ou fictive.

[…]
Ce projet n’est pas une tentative d’héroïsation, non plus que de disculpation, peut-être pas même de compréhension.
Mais montrer.
Donner à voir.Recomposer les morceaux d’un corps. De nos corps
Corps pauvres Corps pédés Corps métissés Corps en lutte Corps empêchés Corps contrariés
Et de nos vies.
Dresser le portrait de l’artiste en serial killer. » – Yacine Sif El Islam

TOURNÉE

CRÉATION 12 au 15 janvier 2027 au tnba – Thé^âtre national de Bordeaux Aquitaine
22 février au 6 mars – Théâtre Ouvert, Centre National des Dramaturgies Contemporaines

Tout se passe dans une résidence destinée à des femmes. Sept pensionnaires y cultivent gaiement leur faculté d’émerveillement avec l’aide de Claudia, la dévouée directrice. Au travers d’activités manuelles, artistiques, ou encore par la pratique de la discussion, elles s’essayent, tant bien que mal, à l’art de la joie.

L’Odeur des tissus propose de poser un regard empathique et amusé sur une communauté dont l’entente est toujours en tension.

EXTRAIT

CLAUDIA. C’est un peu arrogant, ce n’est pas généreux. L’objectif de cet atelier n’est pas de vous pousser à la créativité, parce que moi je…

Elle s’adresse à toutes les résidentes.

Je ne valorise pas la créativité à tout prix, dans la vie il y a des gens qui n’ont pas la fibre artistique et ce n’est pas grave. Le travail du copiste consiste justement, corrigez- moi Gisèle si je me trompe, à ne pas se mettre en avant, à adopter le geste de l’artiste, tenter de le comprendre et s’efforcer de le reproduire avec exactitude. C’est un travail minutieux et humble.

GISELE. Effectivement la difficulté consiste davantage dans le fait de s’effacer. Le copiste va plutôt mettre son talent au service de l’œuvre.

CLAUDIA. Tout à fait.

GISELE. Ce qui au demeurant n’est pas non plus à la portée de tout le monde. Un petit temps.

PAULETTE. En fait, je comprends pas le travail qu’on fait ici alors. Si le but c’est d’empêcher celles qui ont un penchant pour la création, de les cantonner à se mettre dans les pas de, au lieu de les accompagner dans leur épanouissement j’veux dire, si mon épanouissement passe par là !

[…] « Dans L’Odeur des tissus aucune dispute n’éclate réellement, aucun drame n’advient, les mini accidents de la vie normale du groupe finissent toujours par s’effacer devant la tendresse extrême que ces femmes veulent se donner les unes aux autres. On chante, on se dit des haïkus, c’est ridicule, ça ne ressemble à rien qui existe. Cette non-histoire, cette incongruité miraculeuse me touche par la poésie inattendue et en fait très burlesque qui s’y déploie. Un danger court silencieusement dans les tous petits détails, comme un diable prêt à pulvériser le fragile équilibre de cette utopie. Malgré notre besoin de conflit, notre attente avide de péripéties, la pièce déplace malicieusement notre attention vers les interstices, elle invite à regarder les petites choses, celles qui n’ont jamais la place d’honneur : comment se passer un thermos de thé, préparer une table, se faire une bise pour la nuit, disposer un pot de fleur. Au moyen clownesque d’une politesse de tous les instants, ces femmes tentent de préserver la paix qu’elles partagent. Cet effort inexplicable maintenu jusqu’au bout, c’est ça qui est spectaculaire. C’est la force et la folie de la pièce. […] » – Marion Duphil

Le spectacle présenté par Marion Duphil ICI.

TOURNÉE

CRÉATION du 8 au 11 décembre 2026 à la Comédie de Reims – CDN
Du 21 janvier au 3 février 2027 – Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines, Paris
Du 22 au 26 mars 2027 – Théâtre de la Manufacture – CDN Nancy Lorraine
30 mars 2027 – Scène Nationale de Mâcon – Le Théâtre

Un été, Paul surprend dans sa villa familiale un soi-disant estivant et ne tarde pas à le séduire. Sous les yeux d’Alan, narrateur de l’histoire, gardien du lieu assailli de goélands et frère de l’imposteur, un cruel jeu de rôle s’instaure. À mesure que s’intensifient désir et menace, le piège se referme sur Yann. La Villa… est un lieu d’hospitalité et de violence, un marécage indifférencié de haine et de tendresse où se rencontrent trois jeunes garçons rongés par la honte, sociale et sexuelle. 

EXTRAIT

PAUL. Et dire qu’il y a des gens qui tueraient père et mère pour vivre ici…

« Le point de départ d’écriture de La Villa… est une image avant tout, l’image d’un croisement, sur une route de Bretagne à l’été 2022, l’image d’une rencontre en sens opposés d’une moissonneuse-batteuse et d’une Lamborghini. Sans que je ne le sache encore, il y avait tout dans cette image : deux mondes qui cohabitent, ou du moins le tentent, sur un même territoire. 

[…] Avec La Villa…, j’ai tenté de descendre au plus profond des personnages pour essayer de mettre au jour ce qui advient quand désir et classes sociales se rencontrent. Les dialogues sont conçus comme une partition dont je souhaite qu’elle puisse faire apparaître, le plus subtilement possible, ce qui relie et ce qui sépare Alan, Yann et Paul : qui rit de quoi ? qui a la référence ? qui ne comprend pas ? Tenter d’écrire des dialogues où se jouent beaucoup de choses sous couvert d’une légèreté apparente, due par la jeunesse de ce trio, le farniente de l’été et le désir charnel naissant. À l’image d’une carte postale de Ploubihan-Plage dont le verni, petit à petit, se craquelle, laissant apparaître une réalité bien plus complexe et bien plus violente. » – Alexis Mullard

EN VIDÉO :

CRÉATION en décembre 2026 – Théâtre Ouvert, Centre National des Dramaturgies Contemporaines
19 au 22 janvier 2027 – La Comédie – CDN de Reims 

Laura et Salomé sont inséparables. Un samedi soir, au milieu de l’été, les deux adolescentes marchent le long de la route départementale, à la lisière de la forêt, à la recherche d’un endroit où faire la fête. Avec pour seul repère la signalétique fluorescente du bitume, elles cherchent leur chemin et finissent par se perdre. À la dérive dans un monde qui tangue, de plus en plus loin dans la nuit, dans l’obscurité de leurs souvenirs, elles assistent à leur propre chute et à l’effritement de leur relation.

SPECTACLE PERFORMANCE

Au croisement du stand-up, de l’autofiction et de la performance théâtrale, ce spectacle rassemble sept auteurices qui viennent témoigner de la spécificité de leur vécu. Leurs textes abordent des sujets tels que l’expérience du deuil et le désir de faire monde autrement, la bipolarité, le travail du sexe, les parcours de transition, le racisme systémique ou encore le privilège blanc. Au fil de ces récits individuels, une histoire transversale s’invente peu à peu sur scène : celle de l’écriture, envisagée comme pratique fédératrice et émancipatrice.

EXTRAIT

Vous avez vu ?
Je suis un super acteur, non ?
Je fais rien et il se passe plein de choses.
Vous avez vu tout ce qui s’est passé ?
/Pas mal
J’adorerais être un acteur désincarné mais je suis trop fort en incarnation.
Parce qu’il y a plein de fois où, dans la vie, je fais rien et les gens voient des trucs incroyables.
Genre une fois, je rentre dans un bar, je m’accoude au comptoir,
le gars à gauche, il me regarde et il dit : Tiens
voilà Ramzy.
Du coup, je suis un peu désarçonné. Je suis pas sûr de comprendre.
AU CAS OÙ, je regarde autour de moi,
pas de Ramzy aux alentours.
J’ai un peu peur de comprendre et là, ça tilte !
Je me dis : Ah, en fait, il dit ça parce que je suis drôle !
– Yannis Skouta

NOTE D’INTENTION 

« Le spectacle L’Art de la chute tire son origine d’un chantier d’expérimentation proposé par Théâtre Ouvert et animé par Pierre Koestel en août 2025. Pendant neuf jours, six jeunes auteurices (Gaëlle Axelbrun, Marie de Dinechin, Morgan·e Janoir, Iris Laurent, Emmanuel Linée et Yanis Skouta) ont déplacé leurs enjeux d’écritures respectifs pour explorer les codes du stand-up afin de les réinventer.

Ainsi, l’objectif n’était pas tant d’écrire des sketchs humoristiques, mais de chercher à s’emparer de ce qui constitue l’essence du stand-up (adresse directe au public sur le ton de la confession, construction d’un personnage de scène, travail sur la langue et son rythme, élaboration des textes en allers-retours entre le plateau et la table…) pour déployer des récits travaillés par l’enjeu de la parole et par la spécificité de chaque vécu.

Les textes ont été écrits dans un format court (dix à douze minutes chacun) et présentés lors d’un temps de restitution à Théâtre Ouvert. Pour relier ces différentes propositions, Pierre Koestel prenait le rôle de maître de cérémonie pour présenter le processus de recherche, afin de partager les réflexions traversées tout au long du chantier. Chacun·e des auteurices a ainsi pu livrer un regard sensible et généreux sur sa propre histoire, en travaillant à des degrés divers la notion d’humour et en envisageant l’écriture comme une manière de se réapproprier son vécu et de le rendre partageable. »

Dans un petit village du Sud-Ouest de la France naît un enfant au nom de Ix, à l’identité incertaine et mouvante. Comme un album de musique pop à 17 pistes, cette performance en 17 fragments aux formes d’écriture radicalement différentes les unes des autres, retrace l’existence de ce personnage. De la naissance à l’âge adulte, s’explorent les différentes strates de violences – sociale, familiale, historique – qui jalonnent l’existence d’un enfant queer, et finalement le constituent.
Par la fiction, mais aussi par le décalage, le comique, le show, le monstrueux et l’art du drag, Marcos Caramés-Blanco et Sacha Starck composent un ensemble fragmentaire, queer, à la recherche d’un élan utopique, s’affranchissant des représentations schématiques imposées aux êtres qui n’entrent pas dans la norme sociale.

Rencontre avec l’équipe artistique et l’association Interlopes Paris Banlieue à l’issue de la représentation du 27 janvier

TEASER VIDÉO

NOTE D’INTENTION

« Au départ de l’écriture, il y a le sentiment qu’on passe sa vie entière à se remettre de son enfance. Les paysages familiaux de la campagne pyrénéenne. Et un enfant au visage tuméfié par les coups qui court à toute allure en dévalant les montagnes cramées par le soleil. Il rit, il rit, il rit. Jusqu’à ce qu’il se jette du haut de la falaise. Des flashs traumatiques qui surgissent plus tard, dont on n’est plus bien sûr. Et puis il y a le jour où on réalise qu’on vit avec du plomb dans le corps. Cette balle qui nous perfore la poitrine, impitoyable. Quel que soit notre âge. Quel que soit le nombre de gilets pare-balles que nos parents nous ont accrochés au buste. Le sniper, on se le prend en pleine gueule. La balle est inextricable, stigma chronique, dévastateur et magnifique. La norme devient indigeste, et la marge nous saisit.

[…] L’enfance est ce moment où nous ne sommes que gouverné·es, où notre marge de liberté et de résistance est la plus réduite. Où il est primordial de rentrer dans le rang pour survivre, se renier pour ne pas céder. Pourtant, l’enfant queer résiste à tout, car ce qu’il vit n’est pas nommé, n’a pas de nom pour lui. C’est son existence même qui est le problème pour la société hétéropatriarcale, qui tout au long de l’histoire est allée, au nom de la médecine, jusqu’à inventer multiples sortes de tortures, opérations et traitements pour faire disparaître en lui la « déviance ».

Et c’est dans cette forme de puissance que je souhaite creuser cette figure, une figure, Ix, à travers la fiction, mais aussi par le décalage, le comique, le show, le monstrueux, à la recherche d’un élan utopique d’affranchissement des représentations schématiques habituelles qui sont faites des êtres qui n’entrent pas dans la norme sociale, souvent traitées sur un mode déploratif mettant en avant la souffrance qui forme nos réalités marginales. » – Marcos Caramés-Blanco

En alternance, une autre pièce de Marcos Caramés-Blanco à découvrir : Ce qui m’a pris
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REVUE DE PRESSE

Le Monde : « une performance disruptive […] cousue main pour Sacha Starck »

Cultnews : « Les dix-sept séquences de Ix : variations sont une playlist qui résume une vie sans la cloisonner, avec une face A, une B, mais une C aussi, prémices d’une suite libre où d’autres tubes viendront accompagner ces variations sensibles. »

Sceneweb : « Ix : variations offre aussi le portrait d’une génération, celle née dans les années 1990 et qui a vu la révolution Internet tout bousculer »

Collatéral : « La performance que Sasha Starck livre au plateau – entre chorégraphie et course contre la montre – est bluffante de physicalité »

Médiapart : « un geste scénique rare, où la mémoire blessée de l’enfance queer se transforme en moteur de jeu, de pensée et de joie noire. »

Cultnews : entretien avec Marcos Caramés-Blanco, « un des auteurs les plus brillants de sa génération. »

La Terrasse : « un coup de pied dans la fourmilière de notre monde cadrant et discriminant. »

Pianopanier : « À voir pour l’écriture contemporaine, bouillonnante, explosive et humaniste de Marcos […], pour la performance sensible d’un acteur polymorphe, vibrant, agile et sincère » 

À la fin d’un été, Louis part faire un voyage en solitaire d’un mois dans un Pas-de-Calais désert et fantomatique, et se met à écrire des pages et des pages. Cinq ans plus tard, ses feuillets de voyage viennent d’être publiés et il est reçu à la radio pour un entretien exclusif mené par Mathilde, une étrange intervieweuse. Perdu, ou éperdu sous ce coup de projecteur, Louis vacille. Les temporalités se mêlent, passant de l’interview radio pas « sur la même longueur d’ondes » aux souvenirs oniriques d’un voyage déroutant.

Tirée d’une « histoire vraie », Veiller sur le sommeil des villes est une comédie qui raconte la traversée initiatique, mélancolique et fantasque de ce Louis, double exagéré de l’auteur, dont le voyage vient former une question essentielle : à quoi sert d’écrire ?

EXTRAIT

MATHILDE. – Louis Albertosi, on peut lire dans votre livre, je vous cite : « mes journées sont remplies d’un mal envahissant, l’ennui des autres qui peuple les rues et les ravage. Les rues sont grises. Grises, grises, grises, grises, grises, grises, grises, grises, grises, grises, grises, grises, grises, grises… ».

Ça continue sur deux pages.

Depuis quelques années, on entend beaucoup de gens, des citadins justement, rêver de campagne, rêver de quitter les métropoles, les villes. Mais Louis Albertosi, y est-on vraiment malheureux dans les villes ?

LOUIS. – Euh non je ne crois pas. Pour moi la responsable du climat morose de mon voyage, c’était la situation, pas la ville en tant que telle. C’était un moment de crise – il faudrait y retourner aujourd’hui pour comparer. Les villes ont peut-être été plus meurtries. Ou alors, disons que c’était plus visible. Je veux dire, une grande place déserte en plein centre, c’est remarquable. Un village désert, c’est habituel.

« Le voyage dont parle le texte est authentique, fait en septembre 2020 dans le cadre des Croquis de voyage de l’Ecole du Nord (école professionnelle supérieure d’art dramatique de Lille), imaginés par Cécile Garcia Fogel. Je m’étais donné un rôle à tenir pour ma traversée du Pas-de-Calais, celui de l’ange Damiel, écrit par Peter Handke et tenu par l’acteur Bruno Ganz dans les Ailes du désir (1987), le film de Wim Wenders. Il s’agissait de veiller, d’aider les habitants des villes que j’allais parcourir. Le voyage a finalement décidé que je veille sur leur absence, que je veille sur les villes comme endormies. Mon voyage, comme tous les voyages, a pris un chemin imprévu. Moi qui pensais, dans une désuète perspective romantique, jouer un ange qui aide le monde qui en a besoin, je me suis retrouvé, dans la solitude et la perdition d’alors, réduit à un ange qui a besoin de toute l’aide du monde. Ce renversement, sinon cet échec, a été le point de départ de mon écriture, pendant le voyage même. A ce moment-là, écrire était un combat, paradoxal, contre la solitude. » – Louis Albertosi

REVUE DE PRESSE

Cultnews : « La polyvalence des deux comédiens impressionne, oscillant entre chant et comédie. Louis Albertosi, écrivain, fait le pari de la comédie et du théâtre et il est réussi. »

Sceneweb : « Une balade mélancolique et comique dans des territoires déserts qui donne à Louis Albertosi l’occasion de développer une poétique originale. »

Pleins feux : « C’est plein, mais jamais trop : plein de clair-obscur, plein de trouvailles, plein de promesse. Louis Albertosi a su doser avec force finesse tous les paramètres mis en place »

Froggy’s delight : « Un périple dans le Pas de Calais qui nous comble de poésie, d’humour et surtout d’aise ne se refuse jamais. »

Hottello : « un couple de comédiens cultive le décalage avec une science consommée et un humour original et distingué. »

M la scène : « Louis Albertosi déploie une forme libre, foisonnante, où les langages se mêlent avec une remarquable fluidité. »

Un fauteuil pour l’orchestre : « Par sa dramaturgie hétéroclite mêlant le prosaïque au lyrique, la pensée en fragments au continuum du vivant, par la variété des registres […] s’affirment une liberté et une singularité qui font, avouons-le, un bien fou. »

A2S Paris : « Remarquablement interprété par les comédiens et chanteurs Louis Albertosi et Mathilde Auneveux, [un] premier et très original spectacle »

TOURNÉE 
CRÉATION le 10 mars à Théâtre Ouvert, Centre National des Dramaturgies Contemporaines puis du 18 au 28 mars – Théâtre Nanterre Amandiers
le 10 avril – La Barcarolle, St Omer 

Portrait fragmentaire d’une animatrice périscolaire de presque 30 ans emportée dans une spirale d’obsessions, de culpabilité et de quête désespérée de sens au milieu d’un monde qui s’effondre. En quatre saisons et autant de formes littéraires radicalement différentes, elle traverse rêves hallucinatoires, isolement extrême et confessions frontales. Un seule-en-scène vertigineux où se mêlent saints, démons, listes de courses, Reine des Neiges, pornographie et vidéos YouTube, dans un théâtre empruntant au romanesque comme au stand-up, mais aussi à la performance et à l’art du collage brut.

Rencontre avec l’équipe artistique à l’issue de la représentation du 21 janvier

NOTE D’INTENTION

« En trois mouvements prenant des formes littéraires radicalement différentes, comme trois photographies, Ce qui m’a pris façonne le portrait d’une jeune femme aux prises avec une grande détresse existentielle. Trois façons d’aborder l’écriture monologuée pour tenter de reconstituer, comme on recolle les fragments céramiques d’un vase qui se serait éclaté sur le sol, l’individualité d’un personnage dans sa complexité.
[…]
Ce qui m’a pris raconte l’extrême banalité de ce que peut être l’enfer, et comment nos vies peuvent le devenir, parfois comme ça, très vite, et sans raison évidente. Les choses se passent, c’est tout. Le personnage glisse dans son abîme pour s’y engouffrer, banalement. Elle, anonyme, est un peu nous toustes, dans nos vies quotidiennes joyeuses et folles, mais parfois aussi ridicules et précaires ; faites de listes de courses, d’obsessions désuètes, de repas insipides, de masturbations fades et de maladresses. Tout ceci pouvant nous sembler n’être rien au beau milieu d’un monde qui s’effondre, mais qui forme nos vies contemporaines malgré tout. » – Marcos Caramés-Blanco

TOURNÉE
CRÉATION du 19 au 31 janvier 2026 à Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines
5 au 7 février 2026 – Théâtre du Grand-Rond, Toulouse
26 au 28 mars 2026 – Les Quinconces, Le Mans

En alternance, une autre pièce de Marcos Caramés-Blanco à découvrir : Ix : variations
OFFRE COMBINÉE : découvrez les deux spectacles à prix réduit avec le code MARCOS sur la billetterie en ligne
• Tarif plein : 32€ les deux spectacles
• Tarif réduit : 22€ les deux spectacles
• Tarif -30 ans : 12€ les deux spectacles

REVUE DE PRESSE 

Sceneweb : « Fanny Brûlé-Kopp, qui enflamme le plateau dans ce portrait sombre et onirique d’une jeune femme à l’existence passablement houleuse »

Collatéral : « l’écriture de Marcos Caramés-Blanco et le jeu de Fanny Brulé-Kopp nous amènent à un endroit de l’humain largement inexploré, un lieu vierge de tout mot »

Détectives sauvages : « Marcos Caramés-Blanco livre ici un texte et une co-mise en scène (avec Orane Lemâle) d’une vivacité folle, alliant comédie et tragédie contemporaine. »

RFI, Invité culture : « Un seul-en-scène vertigineux […] Marcos Caramès-Blanco nous dévoile la genèse de cette pièce. »

Médiapart : « ‘Ce qui m’a pris’ transforme la dépression milléniale en grand théâtre de la possession […] un seul-en-scène à la fois vorace et doux »

Cultnews : entretien avec Marcos Caramés-Blanco, « un des auteurs les plus brillants de sa génération. »

          Sceneweb Portrait Marcos Caramés-Blanco : « Au départ de l’écriture, il y a le sentiment qu’on passe sa vie entière à se remettre de son enfance. » 

A2S Paris : « une formidable performance de la comédienne Fanny Brulé-Kopp »

Baz’art : « L’écriture de Marco Carames Blanco […] donne à voir plusieurs registres entre le documentaire, l’intime et le spirituel au sein même du banal. Mon coup de cœur se porte sur l’interprétation soufflante de Fanny Brûlé Kopp »