A  PARTÉ

A PARTÉ

du jeudi 28 mars au samedi 6 avril 2019

mardi & mercredi à 19h
lundi, jeudi, vendredi & samedi 20h

relâche exceptionnelle mardi 2 avril
rencontre avec l’équipe artistique mercredi 3 avril

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Nicole est de retour dans la région.
Elle refait sa vie avec son nouvel amant. Chat.
Mais Stéphane, son mari dont elle est séparée depuis quelques mois, voit en ce retour l’occasion de la reconquérir.
Qu’est-on prêt à faire pour conserver sa famille ?

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A PARTÉ ouvre de manière assumée sur plusieurs niveaux de lecture.
Il renvoie à la convention théâtrale, selon laquelle un acteur feint de se parler à lui-même en éclairant le public sur ses motivations intérieures.
Il indique la pesanteur des silences et des non-dits.
Les personnages principaux vivent dans leurs enfermements.
Ils s’expriment sous forme de monologues.
Leurs histoires chassés-croisées se jouxtent jusqu’à l’interférence.

Plusieurs thèmes sont abordés.
Le principal est celui de la solitude.
La solitude découlant de la séparation impossible d’êtres qui s’aiment : une femme et un homme, un fils et sa mère, une mère et son enfant.

Je me propose de mettre en scène ce texte dans un espace sobre où la lumière impose la rêverie face à une réalité trop crue.

Françoise Dô

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Nicole

(Extrait)

« Ce soir est le grand soir mais déjà je trouve qu’il me dévore la bouche de façon étrange.

J’essaye de suivre sa mécanique.

Son corps est tendu de désir.

Mon corps est inerte, impassible sous ses doigts, impassible sous ses lèvres.

Je ne comprends pas. Je me concentre. Je vais bien finir par ressentir quelque chose.

Je caresse quand il caresse, j’enlace quand il enlace. Je suis sa mécanique. »

 

Stéphane

(extrait)

« Nicole n’a pas été heureuse dès le départ comme une future maman aurait dû l’être.

Je désirais éperdument notre petit j’étais le plus heureux des hommes.

Ce jour-là Nicole est enceinte de trois mois.

Attend.

Trois mois et un jour pour pouvoir aller chez maman et lui annoncer la bonne nouvelle.

Mais ce jour-là, elle n’attend pas dans le salon comme maman demande à chaque fois. »

 

 

Texte lauréat du Programme Écritures de la Cité Internationale Des Arts de Paris

La pièce est publiée dans la collection Tapuscrit / Théâtre Ouvert

 

Production Bleus et Ardoise
Compagnie en résidence à Tropiques Atrium-Scène Nationale de Martinique

Coproduction Tropiques Atrium – Scène Nationale de Martinique

Avec le soutien de la Direction des Affaires Culturelles de la Martinique, la Collectivité Territoriale de Martinique, Cité Internationale des Arts de Paris, Théâtre de Vanves, l’ONDA, Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines

 

Remerciements à Paul Emond, Hassane Kassi Kouyaté, Stéphanie Loïk

 

Texte et mise en scène Françoise Dô

Avec Astrid Bayiha, Abdon Fortuné Koumbha

Création lumière Cyril Mulon

Création musicale Noss Dj

Durée : 1h
Carte TO
Plein tarif 20€ 14€
Tarif réduit 14€ 10€
Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€
Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€
Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtre(s) 12€

OVNI(S)

21 septembre ➡︎ 13 octobre 2018

OVNI(S) ou la rencontre avec l’extraterrestre. Une succession de figures, une succession de paroles. Face à nous, chacun témoigne de sa découverte d’un OVNI, de son expérience et nous raconte son sentiment de connexion, de reconnexion, voire de communion, avec lui-même, si ce n’est avec le monde. Un chef d’entreprise, un livreur, une étudiante… À tour de rôle, ils partagent leur vie et nous convoquent, dans leur « avant » et leur « après », à saisir le fil, la bascule, la prise de conscience. La scène de théâtre prend des allures de plateau de cinéma, et nous propose un voyage d’un recoin à l’autre de la planète. Un voyage à la rencontre d’individus apparemment normaux qui ne se connaissent pas mais qui partagent le besoin d’une confession intime. « OVNI(S) raconte notre monde contemporain d’hyper connexions au milieu duquel des failles temporelles, ou pauses émotionnelles, frappent certains d’entre nous. » Quand l’homme civilisé rencontre son altérité et sent le besoin d’en créer une mythologie contemporaine. Tout cela bien loin du religieux même s’il est question de ciel…

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Viripaev et Game ont une manière d’observer la vie qui ressemble à celle des cinéastes asiatiques d’aujourd’hui : tout passe par la sensation, éprouvée par des individus perdus dans un monde trop grand, énigmatique, indéchiffrable. Et c’est la première qualité du spectacle que d’être particulièrement bien écrit, de manière délicate et sensible.
Fabienne Darge, Le Monde

 

Ces confessions intimes laissent entrevoir qu’une autre vie est possible, simple, loin des angoisses nombrilistes pour se sentir exister. Comme si cette rencontre avec le non-terrien provoquait un déclic. La pièce est un appel à la contemplation, un remède efficace au consumérisme.
Philippine Renon, L’Humanité

 

La mise en scène ludique et décalée, le jeu loufoque des acteurs, sous un vernis de grand sérieux et de professionnalisme, instillent le doute sur la valeur de ces récits. Et l’insistance à évoquer, là encore, la difficulté de représenter « l’irreprésentable », ou le retour d’un certain religieux, par ces voies détournées, nous incline à penser que nous sommes bel et bien face à une vaste blague de potaches inspirés. Et talentueux.
Jean-Claude Raspiengeas, La Croix

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LE PROJET : une dramaturgie composite

 

• Les témoignages issus de la pièce originale Ovni d’Ivan Viripaev qui sont le point de départ du projet.

• Un scénario poétique de Jérôme Game écrit à partir de la pièce d’Ivan Viripaev.

• Une création musicale composée par Chloé Thévenin à partir des deux textes.

 

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LA PIÈCE ORIGINALE / Ivan Viripaev

 

La pièce est constituée d’un ensemble de témoignages, des individus d’âges et de nationalités différentes, qui à travers le monde, racontent leur contact avec l’ovni.

Toutes ces personnes, découvertes et contactées par Ivan Viripaev grâce à internet, prétendent avoir rencontré, un jour, des extras terrestres et nous racontent les circonstances de cette rencontre.

Il s’agit pour chacun de décrire un moment de connexion très particulier avec le monde, de compréhension et d’osmose, de totale présence. Chaque personne décrit une sensation plus qu’une vision, une perception des choses à un moment donné plus qu’une rencontre réelle.

 

Ils appellent cela « rencontre avec l’ovni », mais c’est un phénomène intérieur et subjectif qui est décrit, très éloigné des petits hommes verts de la science-fiction. C’est pour chacun d’eux une prise de parole délicate car elle révèle une intimité subtile et enfouie.

 

Dans l’introduction de la pièce Ovni, Ivan Viripaev parle d’un projet de film et

d’écriture de scénario, à partir de ces témoignages, qui n’aurait finalement pas abouti pour diverses raisons. Lorsque le collectif a découvert cette pièce, le désir d’associer Jérôme Game au projet s’est très vite imposé afin de lui demander d’imaginer ce scénario et d’inventer ainsi un fil rouge narratif qui relierait ces monologues en les racontant comme un film.

 

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LE SCÉNARIO POÉTIQUE / Jérôme Game

 

Quand Antoine et Sophie m’ont invité à prendre part à leur adaptation d’Ovni d’Ivan Viripaev, un texte fort et très dense du fait de son thème (les martiens, le sens de l’existence aujourd’hui) comme de sa forme (cinq longs monologues + l’histoire d’un tournage avorté), j’ai eu envie d’y ajouter de l’image parlée : des séquences, des champs-contrechamps, des gros plans décrits par les comédiens eux-mêmes pour ouvrir, déplier, a grandir les récits contenus dans ces monologues, en faire percevoir les décors de

plus près, en incarner les personnages un peu plus sensuellement, les faire entendre à un autre rythme aussi, donner une autre échelle à ce qu’ils racontent. Un peu à la manière d’un chef op’ poétique, mon intervention a consisté à éclairer ces récits de l’intérieur, directement par la bouche des personnages, et à les recadrer aussi, en multipliant les angles narratifs, à la fois en plans rapprochés sur les corps et leurs habitats naturels, et en dézoomant très largement pour mieux saisir les contextes sociopolitiques

de leur quotidien, c’est-à-dire le monde comme il va, ‘globalisé’, dans ce qu’il a de chaotique, d’hystérique même, et d’étrangement beau aussi, de ralenti, de toujours-déjà cinégénique. Des grandes questions contemporaines aux formes de vie les plus concrètes : c’est cet aller-retour, ce champ/contre-champ, ce zoom avant/zoom arrière que mon écriture a cherché à mettre en place à même le texte de Viripaev, en lien constant avec la mise-en-scène d’ildi!eldi. Et personnellement, inventer un cinéma mental où rien n’est montré, un cinéma purement théâtral car uniquement raconté, transformant la scène en plateau de tournage et en studio de montage virtuels, ça m’a fait l’effet d’un antidote super-efficace aux discours, aux images, et aux récits tout faits qui nous pleuvent dessus à longueur de journée.

J.G

 

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LA CRÉATION SONORE ET MUSICALE / Chloé Thévenin

 

Sophie Cattani et Antoine Oppenheim ont proposé à Chloé Thévenin d’imaginer avec eux la bande originale de ce scénario pour la scène. Riche d’un parcours électronique et éclectique, elle imagine des compostions sonores et musicales autour des témoignages.

Accompagnant les récits de façon subtile et mélodique, ses interventions sonores viennent s’immiscer dans les récits pour en souligner l’intimité.

 

La musique de Chloé est ici musique de chambre, parfois douce, parfois plus puissante.

Elle devient l’architecture invisible de la dramaturgie d’Ovni(s) afin d’accompagner la parole et les déplacements des personnages, et faire exister l’espace, la lumière et les plans décrits par Jérôme Game. La musique électronique suggère un aller-retour entre monde ancien et monde moderne, mettant en parallèle des sonorités primitives et des sons

d’aujourd’hui, accentuant la tentative de connexion par la musique à une sorte de rituel oublié.

 

Chloé Thévenin invente, en complicité avec les acteurs, l’ingénieur du son et les scénographes, un dispositif sonore immersif pour le public, en multipliant les sources et les supports de diffusion pour donner des valeurs et des textures variées au son. Une implication technique et plastique, qui est une partie constituante de la scénographie. Chloé Thévenin s’inscrit ainsi avec le collectif dans le processus de création, son travail de composition s’est fait en parallèle des répétitions.

 

Production Collectif ildi ! eldi

Coproduction Théâtre Ouvert-Centre National des Dramaturgies Contemporaines, Festival d’Avignon, Théâtre_Arles Scène conventionnée d’intérêt national art et création nouvelles écritures, Pôle arts de la scène – Friche la Belle de Mai

Avec le soutien de la Spedidam, Drac Provence-Alpes-Côte d’Azur, Région Provence-Alpes-Côte d’Azur

Avec l’aide de Châteauvallon Scène nationale

 

La pièce OVNI de d’Ivan Viripaev a bénéficié d’une aide à la traduction de la Maison Antoine Vitez

Pièce originale OVNI d’Ivan Viripaev
(Traduction Tania Moguilevskaia et Gilles Morel)

Scénario poétique Jérôme Game

Musique Chloé Thévenin

Mise en scène et jeu
Alexandra Castellon, Sophie Cattani, Grégoire Monsaingeon, Antoine Oppenheim, Michael Pas

Scénographie Saskia Louwaard et Katrijn Baeten

Son et dispositif sonore Benjamin Furbacco

Lumières et régie générale Ludovic Bouaud

Durée : 1h15
Carte TO
Plein tarif 20€ 14€
Tarif réduit 14€ 10€
Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€
Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€
Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtre(s) 12€

Je suis un bourreau, une introduction

du vendredi 12 au vendredi 19 avril 2019

Je suis un bourreau, une introduction est un solo théâtral et cinématographique qui articule dispositifs fictionnels et prise de parole théorique sur la destructivité humaine.

Du quotidien d’un mercenaire employé par une société militaire privée au Yémen, à une conférence réflexive sur le passage à l’acte meurtrier, le spectacle propose un objet à plusieurs dimensions sur les violences de guerre.

Un mercenaire français au Yémen. On ne le voit pas tirer au fusil mitrailleur et courir sous les balles ennemies. On le voit vivre, rire, discuter sur Skype avec ses proches. Il est normal, il est comme nous, mais il tue, puisque c’est son travail. Plongée saisissante dans la fiction puis conférence réflexive sur le passage à l’acte meurtrier, Je suis un bourreau, une introduction ouvre un temps de dialogue pour s’interroger sur nous-mêmes, êtres humains vivant, pensant, et tuant, et détruisant. Comment comprendre ce que nous sommes, nous qui faisons « ça » aussi ?

 

Production Das Plateau

Coproduction Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines avec le soutien de la Région Île-de-France

Résidence à la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon, Centre National des écritures du spectacle, au Nouveau Théâtre de Montreuil.

Das Plateau est en résidence territoriale au Centre Culturel Boris Vian – soutenue par la Ville des Ulis, la DRAC Île-de-France et le département de L’Essonne.

Das Plateau est artiste associé à la Comédie de Reims et membre du collectif de compagnies 360.

 

 

Écriture, mise en scène et interprétation Jacques Albert

Musique Jacob Stambach

Montage son Pierre Bariaud

Collaboration artistique Céleste Germe et Maëlys Ricordeau

Avec à la voix et à l’image Marlène Albert Llorca, Hadrien Bouvier, Stanislav Dorochenkov, Cyril Gueï, Ahlam Jarban, Frédéric Lapinsonnière

 

 

Durée : durée estimée 1h15
Carte TO
Plein tarif 20€ 14€
Tarif réduit 14€ 10€
Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€
Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€
Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtre(s) 12€

CONVULSIONS

18 janvier ➡︎ 9 février 2019

Dans Convulsions Hakim Bah prend appui sur un épisode de la tragédie des Atrides pour traiter des violences familiales, conjugales, sociales et économiques. Tout est question de possession, de territoires à conquérir et d’exil, entre un terrain de basket et un aéroport. L’écriture vive, brute et concrète agit sans discourir, avec humour. L’auteur fait preuve d’acuité de vue tant dans la description des pulsions humaines que dans celle de l’agressivité du monde des leaders.

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Atrée et Thyeste torturent et tuent leur frère bâtard pour ne pas avoir à partager l’héritage familial avec lui. Atrée bat sa femme et la trompe avec celle du voisin. Thyeste, amoureux d’Érope finit par la séduire. Plus tard, Atrée, Érope et leur bébé se rendent à l’ambassade américaine pour effectuer les démarches nécessaires à leur installation aux États-Unis. Le test ADN obligatoire pour l’obtention du visa révèle que l’enfant n’est pas le fils d’Atrée…

 

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« Le ventre est encore fécond d’où sortira la bête immonde. »
Grands peurs et misères de troisième Reich, Berthold Brecht

J’aime l’écriture d’Hakim Bah, il fait partie d’une génération d’auteurs qui insuffle une vitalité nouvelle et une urgence à prendre la parole sur les plateaux.

Ils sont la preuve vivante de la nécessité, pour penser et cultiver l’humain en nous, de tout ce qui n’est pas nous : l’étranger, le différent, l’autre.

Pour Convulsions Hakim Bah s’inspire de Thyeste, la tragédie de Sénèque. Il en fait un conte d’anticipation effrayant dans lequel on peut gagner une green card par tirage au sort, où l’ADN parle et où l’humain est possédé par un mot, Greedy (le cri de guerre du monde de la finance), pour l’appliquer à tous les compartiments de sa vie, jusqu’au plus intime.

La violence est dans chaque scène, elle va jusqu’à l’épuisement, elle va au bout de son absurdité.

Comme si l’auteur avait voulu en exprimer l’essence, mais à peine un filon est-il épuisé, qu’apparaît un nouveau, et ça continue, ça creuse plus profond. À la lecture on est pris dans ce maelström.

 

J’ai d’abord éprouvé un grand plaisir à lire la pièce. Cette langue fait naître un plaisir ambigu chez le lecteur, qui accepte presque malgré lui de plonger dans cette décharge de violence, qui se tisse à un humour abrupt et burlesque. Voyeur essayant de calmer la montée d’une drôle de culpabilité, je me suis fait prendre par l’histoire.

Mais si Hakim Bah reprend l’inexorable descente aux enfers des fils de Tantale, c’est sans doute pour témoigner d’une chose très simple. Une chose que nous vivons dans nos chairs et avec laquelle nous « dealons » au quotidien, passant de la colère à l’écœurement avant qu’une immense fatigue nous gagne face au gâchis provoqué par la répétition des mêmes erreurs, des mêmes horreurs, toujours…

 

Hakim Bah tord le mythe de Thyeste et d’Atrée pour accoucher d’une pièce à la fois intime et éminemment politique. Notre époque est cool et monstrueuse, notre monde techno-globalisé à l’agonie. Nous n’avons pas retenu la leçon depuis Sénèque et nous célébrons jour après jour la victoire du verbe avoir sur le verbe être. Ce faisant, nous nous condamnons à l’anthropophagie et à l’inhumanité.

 

Frédéric Fisbach

Production Ensemble Atopique II

Coproduction Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines

 

Avec le soutien de la MC93-Maison de la Culture de la Seine-Saint-Denis, de la Comédie de Saint Etienne-Centre dramatique national, du Fonds d’Insertion pour Jeunes Artistes Dramatiques, D.R.A.C. et Région Provence-Alpes-Côte d’Azur.

 

Avec l’aide à la création de l’association Beaumarchais-SACD, le soutien de l’Adami, de la Spedidam et de La Culture avec la Copie Privée.

 

Texte est lauréat de l’Aide à la création de textes dramatiques-ARTCENA

 

L’auteur a reçu le prix RFI Théâtre 2016

 

Le texte est édité par Théâtre Ouvert/Tapuscrits (Editions) – Coédition RFI

Mise en scène Frédéric Fisbach

 

dramaturgie Charlotte Lagrange

scénographe Charles Chauvet

créatrice lumière Léa Maris

créatrice son Estelle Lembert

assistant à la mise en scène Imad Assaf

 

 

 

 

 

avec Ibrahima Bah, Maxence Bod, Madalina Constantin, Lorry Hardel, Nelson-Rafaell Madel, Marie Payen

Durée :
Carte TO
Plein tarif 20€ 14€
Tarif réduit 14€ 10€
Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€
Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€
Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtre(s) 12€
Du 13 au 20 mars

Douze jeunes artistes issus de l’école du Théâtre National de Strasbourg, ainsi que l’équipe artistique et technique, s’engagent avec force dans ce banquet dionysiaque que Pascal Rambert a écrit pour eux. Un hymne à la jeunesse, à la liberté et à l’amour qui se joue, se danse et se chante au pied du Monte Verità.

Ils portent leurs vrais prénoms mais jouent à être des personnages de fiction, ils racontent leurs désirs, leurs angoisses, leurs rivalités, leurs différences et leurs ressemblances, leur envie commune de ce théâtre qui les habite si profondément. Accompagné.e.s par le chorégraphe Rachid Ouramdane, ils exposent leurs corps, ils s’épuisent et renaissent pour faire entendre les mots qui disent leur engagement et leur appétit débordant au service d’une passion qui les dévore.

Spectacle créé avec les artistes issus du Groupe 44 de l’École du Théâtre National de Strasbourg.Pascal Rambert, Audrey Bonnet et Eddy D’aranjo sont artistes associés au Théâtre National de Strasbourg.

Production Théâtre National de Strasbourg

Coproduction Printemps des Comédiens, Centre Chorégraphique National de Grenoble

Avec l’aimable collaboration de structure production.

Texte et mise en scène Pascal Rambert
Chorégraphie Rachid Ouramdane

Collaborations artistiques Audrey Bonnet, Yves Godin, Alexandre Meyer

Avec Houédo Dieu-Donné Parfait Dossa, Paul Fougère, Romain Gillot, Romain Gneouchev, Elphège Kongombé Yamalé, Lyna Khoudri, Ysanis Padonou, Mélody Pini, Ferdinand Régent-Chappey, Yanis Skouta, Claire Toubin

Dramaturgie Baudouin Woehl
Scénographie Aliénor Durand
Costumes Clémence Delille
Lumières Édith Biscaro, Germain Fourvel
Son Enzo Patruno Oster, Lisa Petit de la Rhodière
Assistanat à la mise en scène, Dramaturgie Eddy D’aranjo
Régie Plateau Simon Drouart
Régie générale Vincent Dupuy
Décor, costumes Ateliers du Théâtre National de Strasbourg

 

Durée : 2h30
Carte TO
Plein tarif 20€ 14€
Tarif réduit 14€ 10€
Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€
Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€
Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtre(s) 12€
Festival Hors les murs à la MC93

Love is in the Hair

du 20 au 29 mars 2020

Défrisé, lissé, tissé, perruqué… Le cheveu crépu, serait-il la métaphore de l’identité malmenée? Ce spectacle fait entendre les préoccupations et les désirs d’une génération afropéenne décomplexée.

Écouter attentivement les récits, regarder les images, entendre les silences, décrypter les non-dits pour créer cette fiction documentée, qui fait la part belle à l’imaginaire et à la rêverie, donnant la parole à celles et ceux qui veulent librement assumer leurs différences dans une société qui a du mal avec le pluralisme et le fait minoritaire. Au croisement de l’Histoire, de la sociologie, de l’esthétique et des arts, associant les mots, la musique et la danse, six comédiens et une musicienne remontent par le fil du cheveu l’Histoire des imaginaires noirs, entre révolution esthétique et revendication politique et identitaire.

Production Cie For Happy People & Co
Coproduction La Nouvelle Scène Nationale de Cergy-Pontoise ; Le FACM – fonds d’aide à la création mutualisée du Festival Théâtral du Val d’Oise ; La Ferme du Buisson SN Marne-la-Vallée ; Les Passerelles Scène de Paris Vallée-de-Marne ; La Comédie de Caen CDN de Normandie ; Théâtre Ouvert-Centre National des Dramaturgies Contemporaines

La compagnie est artiste associée à la Comédie de Caen-CDN de Normandie

Ce projet a bénéficié d’une aide au Compagnonnage Auteur par le Ministère de la Culture.
La compagnie est soutenue par la Région Ile-de-France au titre d’une Permanence Artistique et Culturelle
Ce projet est soutenu par le Conseil Départemental de Seine-et-Marne, la Direction des Affaires Culturelles d’Ile-de-France – Ministère de la Culture, le Fonds SACD Théâtre
Avec la participation artistique du Jeune théâtre national
Avec le soutien de L’École de la Comédie de Saint-Étienne / DIESE # Auvergne-Rhône-Alpes
Avec le soutien de la SPEDIDAM – société de perception et de distribution qui gère les droits des artistes interprètes en matière d’enregistrement, de diffusion et de réutilisation des prestations enregistrées, et de L’Adami qui gère et fait progresser les droits des artistes-interprètes en France et dans le monde. Elle les soutient également financièrement pour leurs projets de création et de diffusion

Texte Laëtitia Ajanohun
Mise en scène et scénographie Jean-François Auguste 
Collaboration artistique Morgane Eches

Avec Fatou Malsert, Juliette Speck, Roberto Jean, William Edimo, Pascal Beugre Tellier, Samuel Padolus et Christiane Prince à la batterie 

Chorégraphie Wanjiru Kamuyu
Lumières Mana Gautier

Costumes Marta Rossi
Peintures Marc Anselmi

Durée : 1h45
Petite Salle
Carte TO
Plein tarif 20€ 14€
Tarif réduit 14€ 10€
Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€
Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€
Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtre(s) 12€

La Truite

du vendredi 23 mars au samedi 14 avril

Un dimanche. Dans un petit village. Un couple, proche de l’âge de la retraite, qui vient de s’installer pour ouvrir une petite boulangerie bio.

Nouvelle maison. Nouvelle vie. Un dimanche, ils réunissent leurs trois filles et leur conjoint pour l’anniversaire du père. Mais il a surtout une annonce faire, importante, grave. L’aînée vient avec son conjoint, son bébé et la panoplie qui va avec, la cadette idem, la benjamine vient avec sa compagne.

La deuxième a aussi ramené une truite. Lacto-pesco-végétarienne, elle ne mangera pas la blanquette de veau. En fait, on va surtout parler de ça. Pourquoi elle ne ferait pas comme tout le monde ? Ça veut dire quoi «avoir des convictions?» Convaincue de quoi, au juste ? Est-il opportun d’affirmer ses convictions quand ça fait mal aux autres ?

La Truite est une pièce écrite pour les acteurs qui la jouent. Elle parle d’amour, de bouffe, de la famille, de la mort, d’amour, de générations, de valeurs universelles, de communautarismes, d’amour, d’aujourd’hui. Sa structure implacable, se compose de trois parties : entrée, plat, dessert.

…..

Avec La Truite, j’ai voulu parler de ceux qu’on ne remarque pas, à qui on ne s’intéresse jamais, rendus invisibles non par velléité politique comme on s’arrange des violents, des fous, des pauvres, mais tout simplement par omission, par manque d’intérêt. Ceux qui, de générations en générations pensent le monde, cherchent à le représenter ou se le représenter, mais en définitive ne le font jamais.

Baptiste Amann

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LA PRESSE EN PARLE

(…) Baptiste Amann précipite les tensions jusqu’à leur point ultime. Son texte, mis en scène avec subtilité, est plus convaincant quand il fouille l’anecdote pour en extraire l’acidité que lorsqu’il s’attarde du côté des généralités, comme le conflit générationnel. Mais ne mégotons pas. Ce n’est pas si souvent qu’on croise cette évidence : un auteur est là. Joëlle Gayot, Télérama, TT

(…) La Truite ne suit pas le chemin d’une énigme, elle traverse les courants des amours, conflits et enjeux d’une famille d’aujourd’hui dont les parents ont respiré dans leur jeunesse un air libertaire et l’ont légué en héritage à leurs filles, qui ne savent pas comment s’en dépatouiller. Histoire commune, direz-vous, souvent remise sur le métier du théâtre. Oui, mais le style fait la différence, et celui de Baptiste Amann impose sa teneur. Brigitte Salino, Le Monde (…)

La pièce, qui dure trois heures lesquelles passent comme l’éclair, décrit l’ordinaire parfois gai, parfois triste des familles d’aujourd’hui. On ne peut que louer la mise en scène de Rémy Barché qui, en s’attachant essentiellement au jeu des acteurs, rend la pièce attachante. Joshka Schidlow, Allegro Théâtre (…)

Entre monologues lyriques et échanges groupés qui témoignent d’une grande acuité sur la cellule familiale de notre époque, l’écriture affûtée de Baptiste Amann, à mi-chemin entre rire et gravité, croque sans caricature toutes les complexités des dynamiques familiales, à la fois cocon protecteur et piège sclérosant. Vincent Bouquet, Sceneweb

Coproduction La Comédie de Reims-CDN, Compagnie Moon Palace

Avec le soutien de Théâtre Ouvert–Centre National des Dramaturgies Contemporaines, de la Région Île-de-France, de la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon-CNES, de l’ONDA , de Fabulamundi-Playwriting Europe, du programme Culture de l’Union européenne

Avec la participation du Jeune Théâtre National
Avec le soutien du Fonds d’Insertion pour Jeunes Artistes Dramatiques
D.R.A.C. et Région Provence-Alpes-Côte d’Azur

La Comédie de Reims et la compagnie Moon Palace remercient la compagnie MidiMinuit pour la mise à disposition de matériel.

Mise en scène Rémy Barché

Avec Suzanne Aubert, Marion Barché, Christine Brücher, Daniel Delabesse, Julien Masson, Thalia Otmanetelba, Samuel Réhault, Blanche Ripoche
et la voix de Baptiste Amann

Assistanat à la mise en scène Alix Fournier-Pittaluga
Scénographie et costumes Salma Bordes
Lumière et régie générale Florent Jacob
Son Antoine Reibre
Régie plateau Mohamed Rezki

Durée : 3h20 (entracte compris)
Carte TO
Plein tarif 20€ 14€
Tarif réduit 14€ 10€
Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€
Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€
Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtre(s) 12€